SERIE DE TRES ACTIVIDADES QUE PUEDES RESOLVER, ANIMATE!!! :)

HAS CLICK AQUÍ PARA RESOLVER LAS ACTIVIDADES.

SUERTE!!!

Déborah Cardozo

Stéfani Colmán

Magdalena Romaniello

BARRAS DE PASTEL

EL PASTEL ESTÁ COMPUESTO BÁSICAMENTE POR PIGMENTO PURO LIGERAMENTE AGLUTINADO EN UNA GAMA ADHESIVA PARA DARLE UNA MÍNIMA RIGIDEZ.

PASTELES BLANDOS: TIENDEN A DESHACERSE CON FACILIDAD AL UTILIZARSE, DEJANDO MANCHAS INTENSAS DE COLOR SOBRE EL PAPEL. ESTO SE DEBE A LA MENOR CANTIDAD DE GOMA AGLUTINANTE UTILIZADA EN SU FABRICACIÓN, Y ASU MAYOR PROPORCIÓN DE PIGMENTO

PASTELES DUROS: SE PRESENTAN EN BARRITAS MÁS DELGADAS Y DE SECCIÓN GENERALMENTE CUADRADA. SU MAYOR DUREZA SE DEBE A QUE SON PRODUCTO DE UNA LIGERA COCCIÓN COMBINADA CON ARCILLA CERÁMICA.

PASTELES EXTRABLANDOS: LA BLANDURA DE UN PASTEL ES SIGNO DE CALIDAD, YA QUE INDICA UNA SUPERIOR PRESENCIA DEL PIGMENTO Y UNA MÁXIMA ENTREGA DEL MISMO EN CADA APLICACIÓN SOBRE EL SOPORTE.

LA TEXTURA DEL SOPORTE DETERMINA RADICALMENET EL EFECTO PICTÓRICO DEL PASTEL. LOS SOPORTES MUY RUGOSOS RETIENEN MÁS PIGMENTO PERO OFRECEN UNA TEXTURA MÁS ABIERTA. LOS PAPELES DE RIGOSIDAD MEDIA EQUILIBRAN PIGMENTACIÓN Y LISURA DEL COLOR. LOS PAPELES DE LIJA FINOS COMBINAN LISURA Y RETENCIÓN DE COLOR.

CARBONCILLO

Probablemente, éste sea el utensilio de dibujo más primitivo. Es también el más inmediato: un pedazo de madera carbonizada que deja marcas negras sobre un soporte. Los carboncillos modernos son pedazos de ramas de sauce carbonizadas mediante combustión lenta, de manera que toda la madera se carboniza por igual, tanto en la superficie como en el interior de la rama. Las ramas no deben presentar nudos sino ser completamente homogéneos para evitar partículas duras que podrían rayar el soporte. El trazo, de una tonalidad casi negra, debe ser suave y denso y no presentar discontinuidades.

LOS CARBONCILLOS SE COMERCIALIZAN EN DIVERSOS GROSORES, SEGÚN EL TAMAÑO DE LAS RAMAS DE SAUCE EMPLEADAS EN SU ELABORACIÓN.

LAS BARRAS DE CARBONCILLO NO DEBEN PRESENTAR NUDOS EN SU SUPERFICIE, PUES LAS PARTÍCULAS DURAS QUE CONTIENEN RAYARÍAN EL PAPEL.

LA DUREZA DEL GRAFITO

EL GRAFITO ES UN METAL DE COLOR GRIS PLOMO BRILLANTE DESCUBIERTO EN 1564 EN BORROWDALE, INGLATERRA. SE CREYÓ ALGUNA VARIEDAD DEL PLOMO HASTA QUE EN 1779, EL QUÍMICO SUECO KARL WILHELM SCHEELE DEMOSTRÓ QUE SE TRATABA DE CARBÓN CRISTALIZADO Y EN 1789 EL GEÓLOGO ALEMÁN ABRAHAM G. WERNER LO LLAMÓ GRAFITO EN HONOR A SU EMPLEO COMO MEDIO DE ESCRITURA.

LA CONFUSIÓN CN EL PLOMO LLEGA HASTA NUESTROS DÍAS: EN LA ACTUALIDAD, AÚN SE HABLA DE “LÁPIZ-PLOMO” O DE “MINA DE PLOMO” A PROPÓSITO DEL GRAFITO Y LA PALABRA INGLESA CON LA QUE SE DESIGNA LA MINA DE UN LÁPIZ SIGUE SIENDO LEAD, ES DECIR, “PLOMO”. ORIGINALMENTE, EL GRAFITO SE EMPLEABA EN ESTADO PURO Y SU DUREZA VARIABA EN GRAN MEDIDA SEGÚN CADA YACIMIENTO. LOS FABRICANTES CONTÉ, FABER Y HARTMUTH DESARROLLARON SIMULTÁNEAMENTE A FINALES DEL SIGLO XVIII EL MÉTODO DE ELABORACIÓN DE LAS MODRNAS MINAS DE GRAFITO MEZCLANDO ESTE METAL PULVERIZADO CON ARCILLA CERÁMICA Y COCIENDO LA MEZCLA PARA DARLE RIGIDEZ.

ROCAS DE GRAFITO NATURAL.

EL GRAFITO ES UN CARBÓN CRISTALIZADO, DE TACTO OLEOSO, QUE DEJA RASTRO EL FROTARLO CONTRA UNA SUPERFICIE DURA.

GROSOR DEL GRAFITO:

LÁPIZ DE GRAFITO

Los lápices se fabricaron por primera vez a mediados del siglo XVI, en Keswick, Reino Unido, a causa del descubrimiento del grafito en la localidad de Borrowdale. El lápiz primitivo era un trozo de grafito envuelto en piel de oveja.

Al extenderse su uso por Europa se practicaron diferentes variantes, hasta que los artistas italianos concibieron una funda de madera que mejoró su manejo. El grafito se cortaba en láminas y éstas, a su vez, en barras que se embutían en muescas largas practicadas en listoncitos de madera.

La fabricación en serie de lápices no comenzó hasta mediados del siglo XVIIIA, en los principios de la revolución industrial. Por entonces, es que Cumberland en Inglaterra y Nuremberg en Alemania se convirtieron en los dos grandes centros de manufacturación de lápices. El descubrimiento de yacimientos de grafito de gran pureza en Asia permitió a los fabricantes alemanes y franceses. En la actualidad es el principal centro de fabricación de lápices.

Rocas de grafito natural. El grafito es un carbón cristalizado, de tacto oleoso, que deja rastro al frotarlo contra una superficie dura.

Los troncos de cedro se cortan en bloques cúbicos y éstos en láminas. En cada lámina se practica una serie de surcos paralelos de un diámetro ajustado al diámetro de la mina del lápiz. Las minas se colocan en los surcos y toda la pieza se cubre con una lámina gemela, quedando ambas perfectamente encoladas. Este sándwich de minas se corta a tiras de madera que cada una contenga una mina: finalmente, se le da a cada tira la forma hexagonal, se esmalta o barniza su superficie y se afila.

Lápices acabados:

MATERIALES Y TÉCNICAS

LA CANTIDAD DE INMENSA DE SUSUTANCIAS Y UTENSILIOS QUE ESTAN DISPONIBLES HOY EN DIÁ, PARA TODOS LOS ARTISTAS SUPONE UN ACRECIMIENTO EXPONENCIAL EN LA LISTA DE MATERIALES QUE HACE TAN SÓLO SE ENCONTRABAN HACE UNA DÉCADA Y MEDIA EN LAS TIENDAS DE BELLAS ARTES.

SI PARTIMOS DESDE EL COMINEZO DE QUE TODO ARTISTA SIEMPRE HA OBTENIDO EN TODAS LAS ÉPOCAS LO QUE HA NECESITADO, AQUÍ SE PRETENDE EMPLAZAR AL LECTOR HACIA SUS NECESIDADES EN MEDIO DE LA MULTITUD DE PRODUCTOS QUE LLENAN LOS ESTANTES DE LOS COMERCIOS ESPECIALIZADOS.

ES POR ELLO QUE SE PRETENDE EXPONER UN MATERIAL FIABLE QUE PERMITA DISCERNIR LAS VERDADERAS CUALIDADES DE LOS PRODUCTOS, Y ADEMÁS LE PERMITE IREINTARSE A TODO AQUEL QUE DESEE INICIARSE EN EL ÁREA DEL ARTE.

Huellas del pasado...

Para conocer de donde proviene la idea del maquillaje artístico, vamos a conocer un poco sobre la historia del mismo en diferentes culturas, sus usos y preparación. 

¿En culturas antiguas, se utilizaría el maquillaje con el mismo propósito con el que se usa hoy en día?

En diferentes culturas (antiguas o aquellas que todavía viven en estado primitivo), se utilizaba el maquillaje como protección de la piel ante las inclemencias del clima, como ornamentación, o como expresión simbólica en ritos de iniciación, entre otras. 

Los materiales que utilizaban aquellos hombres y los que usan por ejemplo, las tribus africanas, son extractos minerales y botánicos, grasa, sangre animal y barro.  

Los egipcios, utilizaban exquisitos ungüentos  y tinturas para cubrir sus párpados y la piel del rostro. Aquellas pomadas se creaban con diferentes tipos de plantas, logrando colores como el rojo, verde, negro, azul, ocre.

El kabuki (teatro), es una de las artes tradicionales de japón. Sus comienzos datan del siglo XVI. Su atractivo se basa en la combinación entre la actuación, vestimentas y maquillaje. 

En la actualidad, el maquillaje es utilizado por distintas culturas y fines diversos, por ejemplo, en algunas tribus urbanas como los punk o los darck, lo hacen para diferenciarse del resto de la sociedad. 

Para poder visualizar y tener otra idea de como quedaría un rostro maquillado, a continuación, se establecerán imágenes de muestra.

Es muy complejo pasar del diseño bi-dimensional, es decir, el que se ejecuta sobre la hoja de dibujo, o fotografía, al diseño tri-dimensional; por ello, se compartirá un video en el cual se ve paso a paso, la caracterización de un personaje. ¡¡¡A PRESTAR ATENCIÓN!!!

El maquillaje es la práctica de decorar la piel, cabello y otras partes visibles del cuerpo para obtener un aspecto más estético. En las artes se emplea también para corregir las distorsiones producidas por la iluminación, o para caracterizarse como un determinado personaje teatral. Por extensión, el término designa también los cosméticos que se emplean para esta práctica, tales como los lápices de labios y sombra de ojos.

El maquillaje ayuda a crear al personaje y contribuye también a su caracterización exterior, adecuando la apariencia física a las exigencias del guion. Este tipo de maquillaje llega a transformar los rasgos del actor y puede ir desde un leve envejecimiento o rejuvenecimiento, a colocarle una peca, o cicatriz inexistente o, en el extremo opuesto, a convertir a una persona en un monstruo, un personaje de ficción, un hombre lobo, etc.

ACTIVIDAD: 

Para poder realizar el trabajo en forma correcta, deberás haber leído el material teórico establecido. 

• Formar grupos de 3 personas. Cada grupo deberá elegir una de las cuatro estaciones del año.
• Diseño de diferentes modelos que puedan identificar a cada estación, teniendo en cuenta que luego se imprimará en el rostro de un compañero. 
• Adaptación del diseño elegido por los alumnos de cada grupo, a la fotografía de uno de los integrantes. 
• Puesta en práctica: cada grupo deberá: 1) imprimar su diseño en el rostro de uno de sus compañeros. Se podrá utilizar además de los maquillajes, cualquier accesorio que el equipo crea pertinente para destacar la idea de la estación del año que le tocó. 2) fotografiar el proceso de maquillado. 
• Para culminar con la secuencia de actividades, cada equipo realizará una puesta en común, presentando el modelo finalizado, y su respectiva explicación. 
• Tiempo estipulado: 3 clases de 90 minutos cada una. 

Criterios de evaluación: Manejo de los conceptos dados; originalidad en los diseños; adecuación a la consigna; proceso creativo; trabajo y responsabilidad grupal. 

DISEÑO

INTRODUCCIÓN:

A continuación, se plantearan una serie de actividades relacionadas al diseño, y dentro de este, el maquillaje artístico; pero antes, es válido destacar la importancia del diseño en la sociedad, y de por qué estudiar este contenido. 

El maquillaje artístico nos ayuda a jugar a ser otros; gracias a él, podemos modificar la expresión de nuestro rostro a través del juego de colores, luces y sombras. Es una expresión plástica que se apropia de las técnicas de la pintura y la escultura aunque con ciertas particularidades: el diseño se realiza sobre un "lienzo tridimensional, móvil y con vida. 
Creo de suma importancia el hecho de enseñar a los alumnos este contenido, pues el mismo promueve la creatividad, el aprendizaje plástico-visual e histórico-artístico, permitiendo la complementariedad con las actividades afines a las artes. 

Para desarrollar las actividades que se plantearan posteriormente, se plantearon los siguientes objetivos: 

• Desarrollar sensibilidad hacia diversas manifestaciones artísticas 
• Adquirir y usar tres tipos de habilidades interrelacionadas: el hacer, la comprensión de procesos y la adquisición de conocimientos.   
• Incentivar la capacidad expresiva a través de diferentes temáticas, recurriendo a diferentes técnicas y medios. 
• Promover en el alumno un pensamiento reflexivo sobre el diseño, características, alcances y la influencia en nuestra vida cotidiana.

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ACTIVIDAD

PARA REALIZAR ESTA ACTIVIDAD, DEBERÁS DE HABER LEÍDO ATENTAMENTE EL MATERIAL TEÓRICO PRESENTADO:

- Elige a partir de las pinacotecas de la biblioteca, una obra de arte que te interese, o sea de tu agrado, y posteriormente realiza un análisis minucioso de la misma, teniendo en cuenta los contenidos abordados en la clase, y explícitos en el material teórico que se les brindo en la clase anterior.

- Identifica en la imagen o fotografía, los elementos que consideres pertinentes para un correcto análisis de la misma.

- Añade una reflexión personal, entorno a lo realizado, y a lo que consideres pertinente sobre la temática trabajada en el día de hoy, y durante clases anteriores.

- Puedes presentar en el trabajo final, todas las investigaciones personales y actividades extras que hayas realizado.

Se evaluara la COMPLETA investigación personal del alumno, su interés por una correcta resolución de la actividad, el correcto análisis de la obra de arte seleccionada (teniendo en cuenta las pautas brindadas en el blog para el análisis), y una prolija presentación de TODO el trabajo.

Realiza una presentación estética a tu gusto para entregar el trabajo.

LA COMPOSICIÓN

La obra de arte se organiza según unas leyes que permiten que los elementos que intervienen en ella adquieran significado. Uno de los componentes mas importantes que configuran la obra plástica, es la composición. Por este concepto, se entiende la ordenación de las formas y los elementos en el espacio plástico: un lienzo, una hoja en blanco, un bloque de piedra para realizar una escultura o cualquier otro medio susceptible de ser transformado artísticamente.

Para analizar una obra de arte y evocarnos a su composición debemos tener en cuenta:

- La estructura de la obra: La estructura es el sostén de una obra, ya sea visible o no. Es el apoyo que ordena y da coherencia a la obra. Hablamos de una estructura implícita, cuando la misma no está marcada por líneas en la misma obra de arte, y hablamos de estructura explicita cuando sí lo está.

Estructura implícita (Caravaggio) Estructura explicita (Mondrian)

- En segunda instancia se puede establecer la condición motriz de la estructura. Esto es, aquello que nos sugiere su estado de movilidad (movimiento) y en función de ello podemos determinar una estructura dinámica o estática. Es decir teniendo en cuenta el movimiento que la obra posea o no, va a ser considerada dinámica (si lo posee) o estática (si carece del mismo).

-Además es claro de identificar, para generar un análisis más profundo en cuanto a la composición, se pueden identificar variables como: la simetría (relación espacial que aporta equilibro a la composición), y el ritmo que consiste en el modo de ubicar cada una de las partes en una obra de arte, en la mayoría de los casos, se identifica el ritmo a través de la repetición de un determinado modulo en diferentes veces en la misma composición.

Simetria - Hombre de vitruvio, Leonardo Da Vinci.

Ritmo - Escher

RITMO Y SIMETRÍA EN LA COMPOSICIÓN PLÁSTICA

LA LUZ

Muchos estudiosos consideran que el inicio de la cultura, leyendas y mitos surgen alrededor del fuego que ilumina, protege y conforta a la comunidad. En los grupos humanos primitivos y las primeras civilizaciones históricas, la importancia de la luz se manifiesta en la representación del Sol, centro de vida y fuerza poderosa, en escudos, emblemas y vestidos de reyes y chamanes. Durante la revolución científica, la luz se convirtió también en objeto de estudio. Entendida como materia, hasta llegar a los descubrimientos de Isaac Newton, cuyos hallazgos se basaban en la descomposición de la luz.

La lechera - Vermeer

Para analizar una obra de arte teniendo en cuenta la luz, podemos por un lado identificar en ella, la fuente de luz de que tipo es: si natural, o artificial.

Por otro lado, tener en cuenta, el lugar de donde proviene, esencialmente el sector en la obra, nos permitirá trabajar en forma continua con el análisis del color en la misma, y determinar zonas de mayor incidencia de luz, y en forma contraria, las sombras.

LA LUZ EN EL ARTE . Aquí tienes información interesante y también una serie de cuestionarios para que aprendas mas sobre esta temática interesantisima!!!!!!! :)

CONOCE MÁS SOBRE EL COLOR

EL COLOR.

En el mundo del arte, hablar del color, a veces se confunden los términos por considerarlo un tema simple, de poca importancia, pero el color, ha sido uno de los aspectos más estudiados, observados y analizados por ar

tistas y científicos, que han deseado co

mprender sus características y relaciones.

Al hablar de color, se debe distinguir entre dos conceptos: el color luz, y el color pigmento:

El color luz pertenece a la disciplina científica, destacando aquí las aportaciones realizadas por Isaac Newton, quien descubrió que la luz se compone de longitudes de onda separadas que se perciben como rayos cuando se refractan a través de un prisma en una superficie, con lo cual revelan siete colores distintos.

!!! Infórmate sobre la descomposición de la luz !!!

Luego... mira como tu mismo puedes comprobarlo

A lo que refiere a este teórico, que posteriormente servirá para un análisis minucioso de una obra de arte, a lo que debemos abocarnos es al color pigmento. El color pigmento se refiere a las técnicas y a la teoría del color desde el punto de vista pictórico. En la paleta del artista, los colores están formados por

pigmentos (los cuales son colorantes procedentes de tierras de colores, minerales o sustratos vegetales o animales), y un aglutinante que, disuelto en el pigmento permite las mezclas de los

colores y la adhesión al soporte. Entre los aglutinantes más conocidos se destacan el aceite de linaza para la pintura al oleo, la goma arabiga para técnicas al agua, como acuarela, o pintura al temple.

Para poder analizar el color en una obra de arte, podemos tener en cuenta por un lado, si ellos corresponden a los colores primarios o colores secundarios.

En cuanto al color también podemos tener en cuenta, la tonalidad del mismo. El tono representa la cantidad de luz presente en un color, más blanco o más negro, un color más blanco o más negro, según sea el caso. Cuanto mayor es el tono, mayor es la cantid

ad de luz en un color, es decir más color blanco posee, y viceversa. El blanco y el negro podrían considerarse opuesto

s, pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, en el entendido que el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.

Luego podemos identificar los tonos de colores: donde a cada uno de los colores o tonos del círculo cromático cuando los mezclamos con blanco para

generar más luminosidad o con el negro para oscurecerlo, lo que estamos realizando es un cambio de valor.

Para analizar además el color, podemos hablar de los colores cálidos o colores fríos, Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana.